Thomas Sabo x Rita Ora: Fashion Week trifft Street Art

Gibt es die perfekte Zusammenarbeit zwischen Künstler und Marke? Wir glauben ja - und unser prominentestes Booking für die Berlin Fashion Week ist der Beweis dafür.

Viele Künstler haben bereits die Angst abgeschüttelt, bei der Zusammenarbeit mit einer Marke "ihre Seele zu verlieren" - wie bei dem immer beliebter werdenden Phänomen der Graffiti-Werbung. Die Arbeit an einem Auftrag ist natürlich etwas anderes als absolute künstlerische Freiheit: Machen, was man will, wo man will, wie man will. Völlige kreative Freiheit bedeutet jedoch nicht zwangsläufig, dass man dafür bezahlt wird - mit Ausnahmen, versteht sich. 

 

Für Künstler wie Nasca Uno, der auf eine Vielzahl erfolgreicher Kooperationen zwischen Künstlern und Marken zurückblicken kann, stellt sich die Frage, wie man mit einem Kunden zusammenarbeitet, um Kunst zu schaffen, auf die man stolz ist, und gleichzeitig sicherzustellen, dass der Kunde zufrieden ist.

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Für die Berlin Fashion Week haben wir Nasca Uno mit unserem Kunden Thomas Sabo zusammengebracht, der eine maßgeschneiderte Kulisse wollte, um seine Veranstaltung auf dem blauen Teppich zu einem echten Blickfang zu machen. Thomas Sabo wurde 1984 gegründet und ist eines der weltweit führenden Unternehmen in der Schmuck-, Uhren- und Schönheitsbranche, das Lifestyle-Produkte für Frauen und Männer entwirft und verkauft. Bis heute ist die Marke auf fünf Kontinenten vertreten und verfügt über mehr als 300 Geschäfte. 

 

Noch spannender wurde diese künstlerische Allianz durch Rita Ora, die das Herzstück der Veranstaltung bildete und auch auf dem Auftragswerk zu sehen sein sollte. Die Sängerin und Schauspielerin ist die erste britische Solokünstlerin, die 13 Top-10-Songs im Vereinigten Königreich hatte. 

 

Die Veranstaltung in Berlins berühmtem Stadtbad Oderberger markierte den Startpunkt der Partnerschaft zwischen Thomas Sabo und Rita Ora: Ora wird die neue Markenbotschafterin und präsentiert die Kampagne "The magic of jewelry". Für Nasca Uno war dies alles Teil eines Briefings, das ihm bei der Erstellung seines Porträts helfen sollte.

 

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Nasca Uno ist ein Künstler mit einer einzigartigen Handschrift und einem dichten Portfolio, weshalb er für die Zusammenarbeit ausgewählt wurde, da Thomas Sabo wusste, dass er etwas Großartiges liefern würde. Aufgrund des Prominentenstatus der beiden Aushängeschilder und des Zeitpunkts während der Berliner Modewoche wurde die Veranstaltung als eine Veranstaltung mit rotem (oder in diesem Fall blauem) Teppich konzipiert. 

 

Nasca Uno wurde gebeten, einen Hintergrund für den Teppich zu entwerfen, so dass jeder, der von den Paparazzi eingefangen wurde, die Nachricht von der Zusammenarbeit verbreiten würde. Tagelang posteten die Prominenten dieses Ereignis in ihren sozialen Medien mit ihren eigenen Fotos, auf denen der Hintergrund von Nasca Uno zu sehen war, und erregten so Aufmerksamkeit durch Street Art.

 

Wir trafen Nasca Uno während der Vorbereitungszeit in seinem Berliner Atelier, wo der Künstler an einer schweren 8 × 2,70 Meter großen Leinwand arbeitete, die schließlich im Stadtbad Oderberger enthüllt werden sollte. Er beschrieb, wie der Auftraggeber ihm über unsere Kollegen von Knueppel & Compagnon einen Entwurf für das Kunstwerk gegeben hatte. Der Auftrag sollte das Gesicht von Rita Ora und Schmuckstücke aus der Herbst/Winter-Kollektion von Sabo zeigen.

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Zwei Wochen später sahen wir das fertige Werk in seiner endgültigen Form. Die Kameras blitzten und die Prominenten bewunderten das Werk, während sie posierten. Nasca Uno verschmolz seine eigenen Street-Art-Einflüsse mit surrealistischen Techniken, um Rita Oras Persönlichkeit und den Stil von Sabos Kollektion darzustellen. Als Rita Ora in einem glamourösen, schimmernden Kleid ankam, das wie das letzte Teil des Puzzles aussah, ergänzte sie das Gemälde von Nasca Uno perfekt

 

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Wir sprachen mit Nasca Uno über diesen besonderen Auftrag, darüber, wie er darüber denkt, dass seine Arbeit als Street Art kategorisiert wird, und darüber, was die perfekte Beziehung zwischen Künstler und Kunde ausmacht.

 

Wie hast du dich gefühlt, als du die Anfrage erhalten hast, ein riesiges Wandbild von Rita Ora zu malen? 

Nasca Uno: Ich freue mich immer, wenn ich Anfragen von Basa Studio bekomme, besonders wenn es sich um große Aufträge handelt. Ehrlich gesagt, musste ich einige Nachforschungen über Rita Ora anstellen, aber als ich vom Kunden Informationen über sie erhielt, wurde mir klarer, worum es in dem Gemälde gehen sollte. Ich hatte noch nie mit einer Schmuckmarke zusammengearbeitet, also war ich neugierig, wie das Ergebnis aussehen würde.

 

Dem Kunden gefiel mein Stil sehr gut und er wollte ihn für die Zusammenarbeit nutzen. Da ich in meinen Gemälden immer gerne mystische und surrealistische Themen und Figuren kreiere, wollte der Kunde genau das. Es war also großartig, innerhalb meiner Komfortzone zu arbeiten.

 

Jeder liebt es, innerhalb seiner Komfortzone zu arbeiten, das ist eine ganz natürliche Sache. Aber wenn man seine eigenen Grenzen verschieben und sich weiterentwickeln will, muss man diese Komfortzone verlassen. Ich versuche immer, größer, schneller und präziser zu arbeiten, meine Techniken zu optimieren und meine Fähigkeit, dreidimensionale Formen zu gestalten, sowie die Verwendung von Farben zu verbessern. Wie ein Sportler, der ins Fitnessstudio geht und an verschiedenen Muskeln oder Trainingsplänen arbeitet, kann auch ein Maler seine Fähigkeiten auf viele verschiedene Arten trainieren.

 

Da ich begonnen habe, mich zeichnerisch auszudrücken, und ich mich selbst am meisten auf das Zeichnen konzentriere, werde ich diesen Sinn in meiner allgemeinen Kunst immer beibehalten. Im Moment wende ich auch traditionelle Zeichen- und Illustrationstechniken in meinen Wandgemälden an. Das Malen auf diese Weise fühlt sich für mich einfach natürlicher an. Malen ist für mich der Weg, sich einfach gehen zu lassen und zu schaffen. Ich mache eigentlich keine Skizzen, bevor ich ein neues Bild beginne, weil ich nicht in meinem Kopf gefangen sein will. Wenn ich schon etwas gezeichnet oder gemalt habe, warum sollte ich es wiederholen? Ich möchte mich immer weiterentwickeln und nicht in dem Zustand verharren, in dem ich mich befand, als ich die Skizze anfertigte. 

 

Warst du stolz auf das fertige Produkt?

Ich versuche immer, mein Bestes zu geben, egal ob es sich um ein kommerzielles Kunstwerk oder um eine freie Arbeit handelt. Je nach Abgabetermin und gewünschtem Thema versuche ich immer, an meine persönlichen Grenzen zu gehen. Da ich aus verschiedenen Gründen nicht mehr so viel fotorealistisch male, war es schön, nach langer Zeit wieder zu diesen Fähigkeiten zurückzukehren und zu sehen, wie sie sich entwickelt haben. Außerdem habe ich Kompositionen und Elemente gemalt, die ich normalerweise nicht malen würde. Der Kunde war sehr zufrieden mit dem Ergebnis und ich auch.

  

Warum hast du mit dem Fotorealismus aufgehört?

Ich habe nie wirklich aufgehört, ich verwende diese Technik immer noch von Zeit zu Zeit in meinen Bildern, aber sie steht nicht mehr im Mittelpunkt meiner Bilder. Ich konzentriere mich mehr und mehr darauf, meinen natürlichen Stil und meine Techniken auf Wänden oder anderen Medien umzusetzen. Ich würde nicht sagen, dass der Fotorealismus nach einer Weile langweilig wurde, aber er passte nicht mehr zu meiner Art zu malen. Einfach nur das zu kopieren, was ich auf einem Foto sehen konnte, und es auf dieselbe Weise an die Wand zu malen, ließ ein wenig Tiefe vermissen. 

 

Natürlich gibt es da draußen brillante fotorealistische Maler, keine Frage, und ich schätze ihre Arbeit sehr. Aber das entsprach nicht meinem Wesen und dem, was ich mit meinen Bildern ausdrücken wollte. Ich wollte immer etwas Persönliches schaffen: Meine eigenen Figuren, meine eigenen Welten und Geschichten. Das ist es, was die Malerei für mich ausmacht: etwas zu erschaffen, das einfach aus dem Kopf kommt und nicht in der Welt da draußen existiert, in der wir leben. Ich mag es, wenn die Leute anfangen, Geschichten um meine Kunstwerke herum zu entwickeln und mich fragen, was die eigentliche Absicht dahinter ist. Meistens geht es mir nur darum, den Geist des Betrachters zu befreien.

Gibt es irgendwelche Nachteile bei großen Kampagnen, die nicht direkt von deinen eigenen künstlerischen Wünschen inspiriert sind? 

Nun, das ist eine sehr persönliche Frage, die jeder Künstler individuell beantworten muss. Es gibt Künstler, die eine solche Zusammenarbeit mit dem Verkauf ihrer Seele vergleichen und meinen, dass sie sich selbst nicht mehr treu bleiben würden. Ich würde das nicht in einer Schwarz-Weiß-Denkweise angehen. 

 

Natürlich werde ich es immer vorziehen, völlig frei das zu malen, was in meinem eigenen Kopf entsteht. Dennoch ist es völlig verständlich, dass eine Marke meine künstlerische Interpretation wünscht und sich durch eine Zusammenarbeit repräsentieren möchte. Wir leben in einem kapitalistischen System und jeder muss seine Rechnungen bezahlen. Und da ich hauptberuflich Künstler bin, ist es für mich normal, mit diesen Kompromissen umzugehen. Es steht einem immer frei, ja oder nein zu sagen, und zum Glück kann ich von meiner freien und kommerziellen Kunst leben, so dass ich das Gleichgewicht halten kann. 

 

Aber ich habe mich definitiv dafür entschieden, mit Kunden zu arbeiten, deren Wünsche zu meiner Arbeit passen. Da ich figurative Malerei mit einer Vielzahl verschiedener Techniken und Themen betreibe, bin ich vielleicht etwas flexibler als Künstler mit nur einem Stil und einer einzigen Fähigkeit. Aber ich würde nie etwas machen, was absolut nichts mit meiner Arbeit zu tun hat.

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Glaubst du, dass Künstler jemals Gefahr laufen, ihre eigene individuelle Kunst zu verkaufen, wenn sie für andere schaffen müssen? 

Wie bei allem im Leben geht es auch hier darum, die Balance zu halten. Wenn man jeden kommerziellen Auftrag malt und sich nicht an seinen Stil oder sein Thema hält, sondern nur das tut, was der Kunde will, läuft man Gefahr, seine eigene individuelle Kunst zu verkaufen. Im Allgemeinen würde ich es eher als eine handwerkliche Dienstleistung und weniger als Kunst ansehen. 

 

Wie ich schon sagte, muss jeder seine Rechnungen bezahlen. Und wenn man das mit dem tun kann, was man liebt, in diesem Fall mit Kunst, dann gibt es meiner Meinung nach keinen besseren Weg. Daran ist also auf jeden Fall nichts Schlechtes. Manche fühlen sich damit wohler, manche weniger.

 

Ist dir das jemals passiert?

Natürlich habe ich in der Vergangenheit einige kommerzielle Arbeiten gemacht, die eigentlich nicht zu meinem Stil passen, wie zum Beispiel Malerei für Dönerbuden oder Gymnasien. Aber alles, was ich gemacht habe, hat mich dorthin gebracht, wo ich jetzt bin, also bin ich damit im Reinen!

Erzähl uns von deinen besten und schlechtesten Erfahrungen mit Kunden und warum sie gut oder schlecht waren?

Die besten Kunden sind diejenigen, die meinen Kunstwerken ein neues Zuhause geben. Jeder Kunde und jedes Projekt ist anders. Ich denke, man ist immer auf dem richtigen Weg, wenn der Kunde die Arbeit des Künstlers schätzt. 

 

Die schwierigsten Kunden sind diejenigen, die nicht wissen, wonach sie eigentlich suchen. Vor allem, wenn man ein junger, unerfahrener Künstler ist und nicht weiß, wie man mit solchen Kunden umgehen soll, kann man viel Zeit und Energie auf diese Projekte verschwenden. Man fängt an, Entwürfe zu machen, und nachdem man sie dem Kunden gezeigt hat, ist er nie ganz zufrieden mit dem Ergebnis, oder er hat am Ende eine ganz andere Idee. Leider ist es mir passiert, dass sie nicht verstanden haben, dass ich viel Mühe in diese Skizzen gesteckt habe, und sie dachten, ich sollte froh sein, dass mich jemand beauftragt hat. Ich denke, jeder Künstler macht diese Erfahrungen, aber hey, am Ende wird man dadurch weiser.

 

Ich mag die Begriffe Street Art, urbane zeitgenössische Kunst oder ähnliche Begriffe nicht wirklich. Es geht nicht wirklich um den Begriff; es geht mehr darum, woher der Künstler kommt und wo er seine Arbeit präsentiert.